Entrevista a Alejandro Carpintero

.“El arte es un proceso de liberación constante”. Alejandro Carpintero es un artista plástico que ha aprendido a valerse de sus cualidades personales y artísticas para desarrollar una poética pictórica que le envuelven dentro del nuevo “Expresionismo Figurativo”.

El expresionismo figurativo no comprende la realidad desde la imitación, sino que la interioriza y reconstruye subjetivamente. Así, cuando le pedimos a Alejandro que nos comentase alguno de sus referentes artísticos, nos explicó que para él el artista es un creador de realidades, y que cada uno tiene una percepción de la realidad diferente; “hay que crear la realidad, no recrearla” afirma Alejandro. A la hora de elegir un artista favorito, nos cuenta que en la actualidad le interesa en especial la trayectoria artística tanto de Diane Arbus como de Cindy Sherman.

A la edad de 6 años vio el impresionante Guernica por primera vez. Fue entonces cuando empezó a despertar en él su interés artístico. Años mas tarde decidiría estudiar Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, pero hasta que no comenzó la carrera, no estuvo seguro de que eso era realmente lo que quería hacer. Sin embargo, tras acabar la licenciatura, se trasladó a Londres, comenzó a trabajar, dedicando a este quehacer la mayor parte de su tiempo. Sin disponer de material ni medios, cayó en una crisis de creación que le llevó a plantearse cuál era el modo de expresión que él necesitaba. Probó video, fotografía y pintura. Durante un tiempo se dedicaría a explorarlas en profundidad: “Es como si estuvieras en medio del mar y no pudieras alcanzar ninguna orilla”, nos dice Alejandro. Finalmente sintió que era la pintura su manera de comunicarse, y en ese momento comenzó quizás la parte mas complicada de su recuperación: el vacío técnico. Como artista plástico, su entorno académico no le aportó quizás todo lo que él hubiera estado dispuesto a absorber: “Lo que a mi me ha costado tres años yo lo enseño en un mes”, nos dice refiriéndose a las clases que él imparte, pues también le queda tiempo para enseñar. A partir de entonces comenzó una carrera a contrarreloj para aprender a dominar el dibujo y la mancha, así como su creatividad requerida en sus cuadros:“ Cuando la obra se desprende de ti, habla de ti. Si el cuadro parece cutre, tu serás cutre”.

En los últimos años, se ha dedicado a crecer de forma autodidacta. Además de dedicarse a mejorar su técnica, también ha desarrollado otros ámbitos del conocimiento, que le sirven de cama para su trabajo estético.”Después de la facultad vinieron muchos años de experimentos”. Se ha interesado por la psicología moderna y las tramas de la comunicación, así como por prácticas de automotivación. Estudió iluminación durante meses, y ha expuesto su obra en distintas galerías a caballo entre Madrid, Barcelona y Reino Unido. Además, su obra ha participado en varios certámenes y ha ganada muchos premios.

“Si dispusierais de todas las capacidades y pudierais pintar cualquier cosa, ¿qué es lo que realmente os gustaría pintar? La primera imagen que te viene a la cabeza, esa es tu respuesta”. Esta fue la respuesta a nuestra pregunta. “¿de dónde sacas las ideas para tus cuadros?”. Conoce bien las artes de la fotografía y se sirve de ellas en su obra. Diseña y pinta en base a fotos tomadas por él mismo. Además le gusta disponer de cinco o seis modelos, dispuestas a todo: las maquilla él mismo, les pone pelucas, las disfraza...”Me gusta la pintura porque es mas sexual y carnal que la fotografía”.

Dispone de dos estudios, uno más grande que el otro. Siempre le habían llamado la atención los grandes estudios americanos que salían en películas y documentales, pero se dio cuenta de que, amigos y conocidos suyos que tenían estudios pequeños, habían hecho igualmente grandes producciones. Utiliza dos tipos de foco en su estudio, incandescente y luz fría: “Al pintar reconstruyes la materia”

Alejandro nos cuenta como para él los objetivos determinan la técnica. “Experimentar es proponerse objetivos complejos, mantenerlos claros y no abandonar nunca. La técnica nace de tu cuadro mental. Hay que darle congruencia a las partes, que sigan una misma dirección, que tengan unidad, que sean un todo con un mismo objetivo. “El cuadro ha de tener contundencia; debe ser como una pedrada”.

Actualmente sigue un proceso de trabajo que consiste en personalizar la tela que compra ya imprimada, con una segunda imprimación con gesso, que elimina cualquier rastro de tela y textura, lijando hasta la saciedad hasta que el soporte queda tan liso como una hoja de papel. A continuación le aplica una “capa de referencia”, aplicando los relieves con empastes de óleo y sin preocuparse meticulosamente del color, y deja secar el soporte durante dos semanas. Posteriormente aplica capas semitransparentes con óleo, que definen el color y determinan la forma. Es en este momento, a mitad del proceso, cuando abandona el modelo, y se deja llevar por su sensibilidad artística. Modifica los colores instintivamente, quita los que le estorban e introduce otros que el cuadro requiera. Finalmente, “interviene la obra” tras distanciarse de ella como si de otro pintor se tratase. Introduce unos toques, como si “de la realidad chorrearan borbotones de pintura”. Considera que el cuadro está acabado cuando mantiene un equilibrio entre lo formal y lo informal. Asegura que no le da ningún miedo estropear sus obras con los chorreones, ya que ha estropeado muchas obras con anterioridad. Además nos cuenta que esos chorreones tan limpios y bien puestos, no son producto de la espontaneidad, sino que son medidos y calibrados deliberadamente, tanto en su color, como en su forma, peso compositivo, etc.

Alejandro es un joven artista, que ha aprendido a superarse a si mismo y a llevar la disciplina del arte a su terreno, siendo su propio maestro y levantándose tras cada caída con mas fuerza, si cabe. Nos aconseja no pecar de excéntricos si no queremos ser rechazados, “La obra debe tener conexión con el público. Debes buscar el equilibrio entre tu poética personal y la pintura comercial”.

Una cuestión común para la mayoría de los que estamos llegando al final de la carrera, es el valor económico que debemos darle a nuestras obras. Alejandro opina que la gente valora tu obra en función del valor que tu le apliques, es decir, si a un cuadro de pequeñas dimensiones por ejemplo, se le aplicas un precio elevado, este hecho despierta un interés superior en el publico que si le aplicaras un valor inferior. En no pocas ocasiones, incluso potencia las cualidades plásticas del cuadro para aquel que lo compra. Nos advierte que los que estamos empezando a salir al mercado comencemos con un precio mejor elevado que insuficiente, ya que esto marcará tu valor en el mercado y tu futuro caché: “Taso mis obras en cuanto al tiempo, el material y el espacio mental”.

Nos recomienda que tras acabar la carrera dediquemos un tiempo a desarrollar nuestra propia poética. Preguntarnos qué es lo que queremos hacer, y cuando creamos haberlo descubierto, trabajar sobre ello y potenciarlo con actitudes comunicativas e intuición comercial.

Por otro lado nos previene de las galerías que se dedican a aprovecharse de los sueños de los demás, y también de que nunca paguemos por que expongan nuestras obras en ningún espacio. “Las galerías son vampiros de sueños”.

La charla con Alejandro ha sido para todos nosotros, además de sumamente agradable en su curso, muy constructiva e incluso terapéutica, ya que todos nos sentimos identificados con sus inquietudes, y asombrados por su trayectoria tanto personal como profesional. Para concluir la entrevista nos instruyó con una serie de consejos que hemos decidido enumerar a continuación, como conclusión a este texto:

"No compares tu evolución con la de los demás".

"Aprende a desarrollar tu visión comercial"

"La gente te juzga por lo que comunicas en tus pinturas. No importa si lo que comunicas es tu intención inicial, pero es con lo que la gente se queda de ti"

"Si hablando, comunicas inseguridad, tu eres inseguro, aunque no lo seas realmente"

"Como estudiante, no te desanimes si no te reconoces a ti mismo en tu obra. La gente interpreta y juzga. No te lo tomes como algo personal, no juzgan lo que somos, sino lo que comunicamos".

"Al acabar la facultad, dedica un año a pintar cualquier cosa, y cuando empieces a sacar conclusiones sólidas, dedica otro año a desarrollar tu poética. Hasta que esto no ocurra, no pienses en exponer, en concursos, galerías..."

"No hay nada escrito, todos somos capaces de todo si sabemos como"

La obra que capto mi atención

.
Análisis y reflexión de la obra que mas llamo mi atención tras la visita a la exposición permanente del museo de bellas artes de granada en el palacio de Carlos V.

ESPEJO INQUIETO

Manuel Rivera Hernández
(Granada 1927-Madrid 1995)
Espejo inquieto
1970
Tela metálica sobre tablero, 100 x 81 cm.

Esta obra pertenece a la serie de espejos en la que Rivera trabajó 30 años desde que realizara la primera en 1964. Es una obra austera en lo que se refiere al material compositivo, pues está formado por una superposición de mallas metálicas coloreadas sobre un tablero de madera, está dotada de un gran lirismo, pues con ellas el artista recrea espacios mágicos llenos de movimiento en los que la imagen se mueve a la vez que lo hace el espectador.


REFLEXIÓN:
Recuerdo el momento exacto en que vi este cuadro, después de haber pasado por varias salas cargadas de imagenes clasicas de santos, escenas costumbristas, paisajes y bodegones. Estaba justo al lado de una de las puertas que comunican las diferentes salas entre si, iva absorto en la pantalla de mi móvil apuntando los nombres de aquellos cuadros que en mi opinión eran los mejores de la exposición fija que mantiene el museo de bellas artes de granada, cuando levante mi mirada ante un objeto que colgaba de la pared justo a mi derecha cuando me disponía a pasar la sala.
Eran pinchos y hierros pintados, algo duro y agresivo de un coloroscuro y violento, me serpare de el continuando mi camino hacia la siguiente sala cuando me fije en mi caminar... "¡¿se mueve?!... ¡¿como va a ser?!... creo que tantas imagenes, tanto estrés de final de curso me esta afectando...". Pero, sin lugar a dudas, se movia. Aquella obra tenia "vida", aparentemente su forma cuadrangular semi-convexa me estava mostrando lo que parecían ser reflejos de algo. Absorto dentro de mi curiosidad miraba al resto de la sala buscando que parte de ella pudiera ser la reflejada. Incluso recuerdo que llegue a acercarme tocando mi rostro para intentar verme en el. ¡Que ingenuo!. no fui capaz de entender que no me mostraba la sala donde me encontraba, sino un mundo diferente al mio, amorfo y en constante movimiento, como una idea, como un cuadro que fue concebido antes de mi nacimiento, un mundo que estaba ahí antes de que yo lo descubriera... riéndose de mi ingenuidad... agresivo y hecho de oscuro metal.
David O.

Tarde de exposiciones: E.Padial vs. C.Zitman

¡Hola de nuevo!.

En esta ocasion procederemos a comentar la obra expuesta de dos grandes autores vistas en una misma tarde soleada y jubilosa que bien podria ser de primavera pese a el mal tiempo de fechas ateriormente muy proximas.

Tras un soleado, largo y agradable paseo, nos encontramos ante nuestro primer destino: el Centro Cultural Gran Capitán. En tal enorme y bello edificio pasaremos a visitar la gran exposicion sobre el autor, y su produccion pictorica a lo largo de 50 años de "carrera".(si se le puede llamar asi). Me ayo en una sala repleta de personajes comicos y estampas de vegetacion, que invitan a la participacion y al dialogo contando historias al espectador plagados de colores llamativos y detallados hasta la saciedad tanto en imagen como en texto añadido por el mismo autor. Sin pormenores dire que la exposicion no desperto en mi mas que un interes por la tecnica, una calida sensacion de cercania en sus retratos y, pese a su incuestionable talento, una extraña sensacion de ingenuidad en su pintura, lo que quizas exalte mi atencion e interes mas que enturbiarlo.

Con un agridulce sabor de boca recorro la exposicion fascinado por los textos del autor en cada cartela, y en cada palabra que retumba en la inmensa bobeda del edificio por una antigua entrevista al autor proyectada en una pequeña sala. Lo cual me situo alli frente a el y frente a su forma de ver el mundo del arte, su mundo, nuestro mundo, (aunque no me considere un artista completo aun). Para darme ni mas ni menos de lo que me daba con su obra pictorica. Calidez, comprension, y pese a sus adornos y florituras linguisticas... cercania. Pero con una tecnica y un conocimiento mas tangible en mi opinion que en suobra plastica.

Con Lorenzo ya acostado, Catalina hace uso de presencia, mintras me dispongo a abandonar el recinto, dejandonos una fresca tarde de aire limpio para dirigirme a mi proximo destino: La esxposicion de el escultor y dibujante holandes Corneils Zitman, en La Casa de los Tiros.

Tras el agradable paseo llego a aquel gran porton, donde una gran mujer de ebano con rostro infantil me esperaba ataviada tansolo con un sombrero y unas medias a la altura de las rodillas en las que se apollaba. Dentro me esperaba su hermana en el centro del patio recostada sobre si, como si el aire meciera su pesado cuerpo y solo su piececito de piel oscura tocara un mullido y solido cojin.

Ambas me esplicaron la habilidad y pericia de su padre, en la fundicion y elaboracion de piezas metalicas, incluso antes de que entara siquiera a ver el resto de la casa, tambien me hablaron de sus estudios y su lugar de trabajo, mostrandome videos de el en un pequeño televisor de un cuarto pequeño junto al salon.

La estancia estaba plagadas de mienmbros de aquella gran familia, todos hermosos calidos y familiares, las paredes estaban decoradas con dibujos y bocetos del padre, al que de seguro todos admiraban mucho. Pase alli el resto de la tarde-noche conversando con cada uno de ellos escuchando sus historias, y observando de reojo a la madre, que permanecia en el fondo del corredor tumbada apaciblemente en su comoda amaca.

En conclusion pienso que conoci mucha gente agradable ese dia, tanto en un lugar como otro, y si alguien me preguntara de que me arrepiento... le diria que me arrepiento de no haberlos conocido antes.

David O.

Roberto Rivas - Libreto de Moradas

...
En esta ocasión hablaremos sobre el trabajo del poeta Roberto Rivas expuesto en Arrabal y Cía y titulado "Libreto de moradas"

En la visita a esta exposición volvemos a encontrar un coqueto recinto de pequeñas dimensiones en el que se reparten objetos escultóricos recolectados y coleccionados por el poeta desde un punto de vista mágico, sentimental y/o poético.

Los objetos gozan de una gran diversidad en cuanto a forma y constitución, una gran fragilidad, un simpático atractivo estético, además de estar impregnados de una poética latente, la cual nos ilustra el titulo otorgado por el artista.

En esta ocasión volvemos a contar con la compañía de nuestro del profesor L. Casablanca como conocido del autor, así como con el Poeta para ilustrarnos y hablarnos sobre su obra. En ella nos narra con una engalanada atmósfera la aventura de como el azar quiso que sus ideas y textos se plasmaran, casi por "azar" cruzándose en el rico camino del poeta, manufacturando así alguno de ellos y preparándolos listos para contar al publico una historia intima, de un viaje hacia los sentimientos.

Permitiéndome una licencia he de decir que desde mi punto de vista la aparición de autor ha supuesto un punto negativo en cuanto a mi opinión de la exposición en general. Si es cierto que la obra eminentemente escultórica (pese a que no sea esa su profesión) tiene un interés, espero que ella por si sola me cuente su historia y no requiera de explicación previa.

Pido perdón previamente por si alguien se ofende por mi humilde opinión, pero si de algo me gusta pecar es de precavido, y aunque no me guste, por consecuencia, peco también de desconfiado y cuando veo a una persona hablar mucho de algo que se crea para expresar aquello que no se puede decir con palabras, me pica la curiosidad. Es entonces cuando entra en escena la burda pregunta ¿Me estará vendiendo la moto?.

Este sentimiento se ve incrementado cuando nos habla de que las obras, "¡plof!", se aparecen... teniendo la mirada y el ojo adecuado. Y me da que pensar cuando veo el mismo elemento repetido en varias de sus "esculturas". Quizás me decepcionó la "precariedad" (pese a la intervención de terceras personas para su realización no mencionada en la exposición) de algunas obras y el hecho de no encontrar ningún fragmento de la obra escrita del autor, como yo esperaba.

Pese a todo esto me quedo con la imagen de aquellas piezas que me agradaron eludiendolas de la historia que nos narraron, con el positivo mensaje que nos incita a el esfuerzo y la utilización de una mirada que proyecta nuestro yo interior en las cosas que nos rodean y las impregnan con nuestra esencia para contar nuestra historia posteriormente, así como con la obra escrita del poeta, que he conocido posteriormente y he de decir que me resulta de lectura agradable.

Sin mas dilación os dejo con las palabras del mismo autor, con la esperanza de que nadie se haya sentido ofendido ni maltratado por las palabras de este humilde espectador y os invito a visitar la exposición en sala Arrabal y Cía. Callejón del Señor nº12. Granada.

E. Luis Fernandez Garrido

...
Hoy nos dispondremos a comentar la exposición visitada en la galería de arte "Caferino Navarro" sobre la producción artística multidisciplinar de un antiguo alumno de la facultad llamado Emilio Luis Fernandez Garrido.

En esta recóndita exposición, de tamaño reducido y abundante trabajo, nos encontramos una serie de cuadros con gran similitud entre ellos, en los que se repiten una serie de elementos comunes llenos de un significado evidente pero en principio dificilmente descifrables para mi ojo inexperto.

Desde un punto de vista general su obra podría catalogarse como un dibujo milimetrico y preciosista lleno de insistencia, paciencia, y simbolismo. Así como un color muy concreto, controlado y limpio. En determinadas zonas que agrupa a la ingente cantidad de símbolos minúsculos que se agolpan causando un efecto de trama impactante desde un punto de vista mas lejano.

Gracias a Luis Casablanca los alumnos pudimos gozar de la presencia del autor en la galería y con su ayuda desvelar los entresijos de su temática y comprender el rico lenguaje que maneja dentro de su obra expuesta.

En su temática nos dispone una gran critica social ilustrando sus obras mediante un simplista esquema del hombre y la mujer, localizandolo en diferentes partes dependiendo de la obra, así como la también repetida figura del árbol y el bosque, o lo que parecen ser puntas, clavos o tachuelas, distribuidos ordenadamente o de un modo desordenado, libres o cercados dentro de una masa de color, en un formato enorme o minúsculo.

Mediantes estos símbolos y sus diferentes disposiciones el autor nos muestra los diferentes ámbitos del ser humano, hablándonos de agrupación, soledad, libertad, represión, orden, desorden... haciendo una critica social muy sutil así como una referencia a su propia discapacidad física en la serie de obras titulada "Tus Pies Prestados No Eran de Mi Talla".

En general una exposición pequeña, sencilla y rápida de ver... pero con mucho que decir. Abierta del 12 de enero al 4 de febrero del 2010. en la galería "Caferino Navarro" - C/San Matias nº2 18009 Granada.

Os la recomiendo.

Jeff Koons

"So much of the world is advertising, and because of that, individuals feel that they have to present themselves as a package."

(muchas cosas del mundo son publicidad, y a causa de esto los individuos sienten que tienen que presentarse a sí mismos como un empaque)

A mi parecer Jeff Koons es la verdadera representación del artstar generador de ideas, intérprete de lo corriente, ridículamente profundo, el rey del kitsch para muchos; es uno de los artistas contemporáneos más influyentes de las últimas décadas sin ser siquiera un brillante pintor o dibujante (vamos que no es necesario) y que ha incursionado en el mundo del arte con la fuerza del escándalo.

Una presentación así tan superficial es "digna" de este artista norteamericano (Pennsylvania, 1955); parece premeditada su aparición en la cultura global contemporánea en la década de los 80 cuando reinaba el consumismo y banalidad en medio de lo superfluo y exagerado.

Iniciado en el arte desde muy temprana edad cuando pintaba copias de cuadros famosos para venderlos en la tienda de decoración de su padre (eso cuenta la leyenda), asistió al Maryland Institute of Art y al Art Institute de Chicago, convirtiéndose luego contra todos los pronósticos en un exitoso corredor de bienes de Wall Street incursionando también en la industria del marketing y la publicidad.
Y es desde ese universo lleno de consumo, modelos de éxito, comercio y manipulación de mensajes en los medios masivos que surge la figura del artista crítico y sarcástico, que saborea el placer de provocar reacciones con sus obras, reutilizando íconos, figuras y el sentir de toda una comunidad dominada por sus necesidades de posesión y aturdida por los medios.
.

Graciela Iturbide - Fotografias (1969-2008)

.
En esta ocasión nos disponemos a comentar el Trabajo de Graciela Iturbide (México, 1942), el cual se muestra en el Centro José Guerrero de la Diputación de Granada. Esta exposición retrospectiva, repasa su trayectoria bajo la organización de la Fundación Mapfre, a través de 180 imágenes llenas de símbolos, vida y muerte, fuerza y sensibilidad.

Desde un punto de vista general la obra de la fotógrafa mejicana nos muestra diferentes aspectos de su personalidad así como de su sensivilidad artística. Podríamos decir que su trabajo es una mezcla de "intervención fotográfica" y "documentación de viaje" desde un ojo simbolista y poético.

En sus fotografías podemos ver paisajes desolados en el sur de los EE.UU. referencias a el paso del hombre, lugares des habitados que la autora nos muestra desde su poética visión como el un retrato, como un relato de aquel que ya no está.

Así como fotos mas cotidianas de su paso por la India en las que nos muestra la belleza de lo mundano. Cave destacar la continuada aparición de los pájaros en sus fotografías como símbolo permanente.


Su estilo personal auna todas las fotografías sin importar la temática que sostengan. Haciendo especial incapie en el retrato nos muestra el reflejo de la sociedad mejicana. Un pueblo que conserva sus raíces indígenas, disfruta de su cultura y respeta fielmente su religión. Retratos de Gente cercana, gente de mercado, gente mundana, gente sin ningún carácter especial pero que a su vez denota familiaridad, cercanía, e incluso algo de comedia. Un escenario crudo y bello en el que la muerte tiene un amargo papel de co-protagonista, dentro de este teatral lugar.

En esta misma linea Graciela utiliza la documentación fotográfica para plasmar ese sentimiento sobre las pilas de animales utilizados para el sacrificio en estas fiestas de un pueblo con unas violentas raíces de colonización.

Encargada de fotografiar la casa museo de Frida Khlo, interviene personalmente utilizando enseres y lugares específicos que la autora utilizaba, denotando otra vez esa forma de retratar el vacio, esa forma de que la muerte impregnada en los objetos del difunto, cuente la historia de como fue su vida.

Ya solo me queda decir que, en general, he disfrutado mucho con esta interesante exposición, no conocía a la autora previamente, pero tengo de decir que he recibido una gratificante sorpresa. Así que recomiendo a todos los visitantes de mi blog que visiten la susodicha exposición que permanecerá en el Centro José Guerrero hasta el próximo domingo 8 de noviembre.

Un cordial saludo.

Programa Docente de Pintura III

.
Me agrada comunicar la inauguración de la etiqueta "Criticas" con la elaboración de un comentario sobre el Programa Docente (2009-2010) de la asignatura troncal de 3º de carrera: "Metodología de los Lenguajes Pictóricos y su Conservación." impartida por D. Jesús Zurita.

Tras la lectura de este, no extenso, pero si elaborado programa no puedo evitar que me aborden numerosas preguntas. Tampoco puedo evadir ese sentimiento idílico que se divisa cuando alguien enumera todas las metas a realizar e imagina que todo eso se cumple. Lamentablemente no llevo tanto tiempo asistiendo, en el poco tiempo que llevamos, como para comprovar o predecir que todo ello pueda realizarse o no.

He de decir que me llamaron especialmente la atención 2 cuestiones que cito textualmente:

• "Correcciones puntuales a petición del alumnado."

Este punto de relación Alumno-Profesor siempre personalmente me ha supuesto un tema de gran conflicto, puesto que mi experiencia con el profesorado, en ocasiones, no ha sido demasiado gratificante (mas concretamente en el campo de la pintura). Por falta de flexivilidad o atención por parte del profesorado y, directa o indirectamente, también del alumno.
Me encuentro en la misma tesitura comentada antes, en la cual no conozco el modo de trabajar del profesor (D. Jesús Zurita), pero si creo que estaréis de acuerdo con migo en que en este punto de la relación (P-A) es indispensable una curiosidad mutua así como un interés, y en mi opinión, también por parte del profesor, aunque el alumno no lo solicite.

• "Desarrollo de un blog en el que el alumno gestionará su proyecto personal."

Cuestión que Aplaudo efusivamente, y en mi opinión dice mucho de un sistema de enseñanza donde no solo se nos trata de un modo clásico e institucional , sino donde la aparición de las nuevas tecnologías juega un papel en favor del alumno, al recibir un tratamiento mas atento, directo, y personal. ¡Bravo!

Por lo demas nada mas que comentar, segun vayan pasando los meses, se ira viendo si todo eso que aparece en la propuesta se cumple por ambas partes, y si la atencion puesta por cualquiera de las dos se ve reflejada en la otra de igual modo, que en mi opinion, es lo mas importante.
.